Indudablemente, la película Sonido de Libertad con Jim Caviezel, está causando conmoción incluso antes de su estreno internacional.

En parte por la forma en cómo la han abordado los medios, en parte por la forma en cómo algunos sectores la han tomado como un estandarte y en parte por el tema tan delicado que está tocando.

Y sobre esto último, afortunadamente se han hecho varias películas que abordan desde las diferentes perspectivas la situación que afecta al mundo entero.

Algunas puede que la conozcas, pero estoy seguro de que la mayoría no. Así que por eso traigo esta lista de cinco películas, pero con la mención de algunas otras.

Antes debo aclarar un par de cosas sobre Sonido de Libertad.

• Lo primero es que ni la película ni el material en el que se puede ver trabajando a Tim Ballard están enfocados en hacer quedar bien a los estadounidenses a costa del resto del continente americano. Hay muchos que ven el tráiler de la película y piensan que es una película que endiosa a los estadounidenses y que mira por encima del hombro a los que no lo son, pues, no es así. La película cuenta parte de la historia de Tim Ballard, incluso desde que empezó a capturar a estos detractores estadounidenses dentro de los Estados Unidos. Y esto es algo que se puede ver en el tráiler. Espero que haya quedado claro ese punto.
• Segundo y último, el mismo objetivo de este post nos deja ver que esta película, aunque seguramente tiene mucho que aportar, especialmente en estos tiempos, no es la primera que habla de esto y esperemos que no sea la última.

 Ahora sí, sin más introducciones, empecemos con este top en el que incluiré películas que muestran la problemática en diferentes lugares del mundo.

Número 5.

Sold (2014) Dirigida por Jeffrey D. Brown y basada en la novela de Patricia McCormick’s.

Esta película del 2014 es una coproducción entre Estados Unidos e India que cuenta la historia de una niña de las montañas de Nepal que es tomada por un grupo de mujeres para mercancía. La película tiene una estética bastante realística y muestra cómo ese siniestro mundo no está construido solo por hombres. La película fue producida por Emma Thompson. El director es estadounidense y está basada en un libro con el mismo nombre, y este a su vez se dice que está basado en muchas historias reales.

Número 4.

Spotlight (conocida en Hispanoamérica como En primera plana) 2015. Dirigida por Tom McCarthy.

Esta película la vi porque fue nominada al Oscar y debo decir que no me decepcionó. Su mayor fuerte es la forma en cómo nos adentra en el mundo periodístico. Pero también es impresionante la forma en cómo nos transmite terror únicamente con los diálogos. Y es que, a diferencia de otras, ésta no se enfoca en lo explícito, sino que va armando un gran caso a la vieja escuela. Al igual que Sonido de Libertad, dice estar basada en hechos reales y cuenta la historia de cómo un periódico de Boston destapó un gran escándalo ocurrido en la iglesia católica de esa ciudad. Cuenta con muchas estrellas de la actuación y aunque no seas fan de estos actores, es una película que vale por sí misma.

Número 3.

Small Word (2021). Dirigida por Patryk Vega

Esta es una película polaca que creo yo es la que más se parece a Sonido de Libertad. Sólo que en este caso se trata de una madre que busca a su hija para descubrir que fue llevada por familias organizadas rusas.

Número 2.

She Have a Name.  2016. Dirigida por Daniel Kooman

Esta es una película tailandesa basada en hechos reales, en la que un abogado se hace pasar por un cliente con la intención de ganarse la confianza de una trabajadora e intentar convencerla de que ella se arriesgue a testificar contra su jefe.

Antes de llegar al número uno, algunas menciones honorables.

• El vicio de la esperanza 2018, Italia.
• Amanecer, 2014, India y Francia
• Los Caballeros Blancos, 2015, Bélgica y Francia.
• Puerto de Escala 2015, Hong Kong
• Chicas Perdidas, 2020, Estados Unidos.
• Nunca estuviste realmente aquí, 2017. Reino Unido, Francia y Estados Unidos.

Número 1.

I am all Girls. 2021. Dirigida por Donovan Marsh

Esta película con el logo de Netflix parece una mezcla entre El juego del calamar, las películas de Jordan Peele y otras cosas ya conocidas. Pero repito, todo en una sola película. Su manera de tratar el tema se hace particular al mezclar elementos propios de los géneros de ficción con una situación que se vive en el mundo real. Pero lo más curioso es la alianza improbable de los protagonistas, pues la película nos cuenta que un investigador y una asesina serial se unen para combatir este mal antiguo que asota al mundo. Pero más curioso que eso, es que se dice que la película está basada en los hechos reales que sucedieron en Sudáfrica durante los años 80. El caso involucró a políticos y a gente poderosa, pero la película solo toma elementos que sirven de guiño a los eventos ocurridos entre el año 88 y el 89. A pesar de esta improbable mezcla, los giros de ficción que tiene la película no le restan impacto.

Por supuesto, al ser una película de Netflix, es casi imposible que se libere de esta influencia a Woke, así que advierto la presencia de varios aspectos progresistas.

Para Popcorn506

Allan Sibaja A.

#WarnerBros #tomandjerry

En la industria del cine el protagonista de ‘Mission: Impossible’ se ha destacado por tener varios récords gracias a sus escenas de riesgo que realiza para sus películas y las cuales no habían sido hechas por otra estrella de Hollywood… hasta ahora, pues fue confirmado que Kate Winslet rompió un récord de Tom Cruise, mientras filmaba una escena para la secuela de AVATAR.

La ganadora del Oscar se ha caracterizado por su profesionalismo al momento de rodar un largometraje y aunque no hace comúnmente secuencias que implique un gran impacto físico como Cruise, cuando llega el momento de hacer una escena de este tipo parece que no da un paso atrás para grabarla.

La intérprete develó en entrevista para The Hollywood Reporter, que tuvo que aprender a bucear sin oxígeno para interpretar su papel en esta esperada secuela. «Fue increíble. He logrado estar 7 minutos y 14 segundos, es una locura», comentó Winslet.

En su momento, Tom Cruise impresionó por los seis minutos que estuvo bajo el agua para Mission: Impossible – Rogue Nation (2015). Esto, claro, ya fue superado por la actriz de 45 años.

The Boys fue una de las series que con más fuerza irrumpió en la escena de las plataformas televisivas durante 2019. Y no lo decimos solo en sentido figurado, por la magnífica fuerza que poseen la mayoría de sus protagonistas, sino porque llegó a Amazon sin la expectación que sí conllevan otros proyectos y terminó por suponer uno de los mayores éxitos de la plataforma de Bezos como apuesta propia.

La serie, basada en unos cómics homónimos, nos cuentan la historia de un grupo de superhéroes que están dirigidos por una empresa, la cual saca partido económico a todas esas acciones heroicas que culminan los susodichos, a través del marketing, las redes sociales, etc. Pero detrás de todo lo bonito que puede haber en la vida y hechos de unos superhéroes, también hay otros aspectos más duros y oscuros, ante los que una serie de ciudadanos, que se han visto afectados por esa maquinaria de heroicidad y marketing, quiere luchar.

The Boys comenzaba su primera temporada con una apuesta visual de primer nivel. No hace falta decir que, en tan solo unos minutos, su propuesta resultaba tan poderosa como atractiva y el nivel de impacto que ocasionaba en los espectadores era proporcional al nivel de adicción.

Esta dureza y crudeza fue una de las características principales de la primera temporada y, ahora que acaba de terminar la segunda temporada en Amazon, no nos queda más remedio que confirmar aquello visto hace un año y tan deseado durante todos estos meses.

La segunda temporada comenzaba retomando alguna de las incógnitas que dejó abiertas la primera. La principal, la relación que iba a tener el líder de los héroes, Homelander, con su hijo.

Pero lo que centra la segunda temporada es la aparición de un nuevo personaje en el grupo de los 7, llamado Stormfront. Esta súper heroína tiene unos poderes asombrosos, pero lo que más llama la atención desde el primer momento es su tremendo descaro, su increíble manejo de las redes sociales y los medios de comunicación y, sobre todo, su capacidad para hacer frente a Homelander.

A Stormfront no le hace falta demasiado tiempo en pantalla para convertirse en uno de los personajes más carismáticos. Al obvio buen guion y desarrollo de su personaje hay que añadirle la gran interpretación que lleva a cabo la actriz Aya Cash, que se consolida, así, como una de las actrices más interesantes de su generación y estilo.

Pero, aunque pueda parecer la más interesante, no hay que olvidar algunos de los personajes que tanto nos fascinaron, cada uno a su manera, durante la primera temporada. Billy Butcher ha sido uno de los roles más auténticos que se han visto en la pequeña pantalla desde hace años. Un personaje tan duro como valiente, que se atreve con todo porque ya lo ha perdido todo. Con tales motivaciones, está completamente justificado que sus actos y sus intenciones sean tan agresivas. Y no es algo que escatimen en la segunda temporada.

Si hay algo que llama la atención en The Boys es el tremendo cuidado que le tienen al arco de los personajes. Es decir, el recorrido con el que evolucionan desde un primer estado hasta el final, que no solo es interesante, sino que es verosímil dadas las circunstancias.

Otro de esos personajes en los que se ve un claro antes y después es Queen Maeve, a la cual su vida personal comienza a afectar e influir de un modo mucho más potente, con momentos realmente importantes y cruciales en lo que al desarrollo de la historia se refiere. Igualmente, The Deep sigue con su tránsito de reafirmación personal, buscando un modo de volver al grupo de los 7. Esto es algo que también busca A-Train, epítome del ego más superficial, y uno de los personajes que durante esta temporada no va a tener tanta presencia como en la primera.

Y aquí es donde no nos queda más remedio que volver al gran Homelander. Decimos gran porque su personaje tiene un interés supremo ya desde la primera temporada. Su evolución es la más sólida, la más trabajada y la más creíble. Las motivaciones que le llevan a sobrevivir como líder, algo que le resulta cada vez más difícil, no son otras que motivaciones puras, que nacen de los instintos más primarios y que llevan a un conflicto entre esos beneficios que tienen los superpoderes y las contras de haber carecido de un afecto familiar como cualquier persona normal.

En lo referente a la trama que nos llevan intentando consolidar entre Hughie y Annie desde la primera temporada, es algo que aún falta por explotar definitivamente. Aunque el personaje de él puede suponer un gran contrapeso en el lado de los ciudadanos normales ante todo lo que suponen Frenchie, Mother’s Milk y, sobre todo, Butcher, su carácter con respecto a la que se supone su amor no termina por decidirse.

Pero, yendo definitivamente al grueso de esta segunda temporada, que es lo que más interesará a los que ya han visto la primera y dudan si acercarse, sí, merece la pena. No vamos a engañar a nadie al descubrir que los primeros capítulos pueden resultar más suaves o lentos que lo que uno se espera, sobre todo si se ve de seguido al terminar la primera temporada.

Esto es algo que puede detener a más de uno, pero recomendamos un poco de paciencia y disfrutar de cómo la acción, la violencia, la sangre y los grandes efectos van llegando según avanza la temporada. En concreto, los últimos capítulos cuentan todos y cada uno de ellos con momentos que van a quedar grabados en la retina de más de uno. Sensacionales escenas de lucha y de tensión que vuelven a situar a The Boys como una de las series de superhéroes más diferentes y atrevidas de la escena actual. Ahora, solo nos queda esperar, impacientemente, a que llegue la tercera temporada, de la cual ya se escucha que tendrá al menos 2 nuevos personajes, los cuales se encargaran de ponerle las cosas aún más difíciles a Billy Butcher y su equipo de renegados.

Mientras tanto, el único consuelo es volver a ver los diecisiete capítulos que tenemos hasta ahora disponibles.

No era extraño que legiones de fieles se reunieran en sus casas alrededor de la televisión para hacer una maratón de alguna de estas series, gracias, de nuevo, a otro sistema de emisión que rompía con las normas no escritas de las televisiones comerciales y de cable. Este era el abrir las temporadas completas al tiempo que se estrenaba la serie, dejando que cada espectador se repartiera su propia ración de capítulos desde el primer instante.

Ahora que Netflix también se dedica a la producción de largometrajes, da la sensación de que algunas de las series que va estrenando cada poco tiempo pasa desapercibida. Pero en las últimas semanas ha habido una novedad que ha llamado terriblemente la atención: Ratched.

Las patas sobre las que se sustenta este interés masivo son tres: la primera, que su historia es la precuela de One Flew over the Cuckoo’s Nest (Milos Forman, 1975). En concreto, lo que cuenta Ratched es la historia de la enfermera Mildred Ratched, aquella que de modo tan estricto trabajaba en esa institución psiquiátrica en la que había sido internado el carismático personaje interpretado por el fabuloso y 3 veces ganador del Oscar, Jack Nicholson.

La segunda de las bases de esta serie es que su creador es Ryan Murphy, un muy experimentado autor que tiene en su currículo productos tan interesantes como Glee o American Horror Story. Y la tercera, responsable de que muchos se hayan apuntado al viaje, es la actriz protagonista: Sarah Paulson, que es uno de los rostros televisivos con mayor capacidad de seducción de los últimos años.

Con relación al primer punto, aquí nos trasladamos hasta finales de los años 40, época en la que Mildred Ratched comienza a trabajar como enfermera en un hospital del norte de California en el cual se están llevando a cabo tratamientos pioneros para la sanación de enfermos mentales.

Cabe destacar, como curiosidad, que este personaje está libremente inspirado en una persona real. El autor de la novela en la que se basaba la película de Forman, Ken Kesey, había trabajado en una institución similar durante su juventud y, allí, había conocido a una enfermera que le había impactado sobremanera por su forma de trabajar y su modo tan duro de tratar a los enfermos.

Aquí, la diferencia la marca Ryan Murphy, el cual nos desea proyectar una Ratched mucho más compleja, alejada del prototipo de enfermera cruel o, concretamente, del personaje interpretado por Louise Fletcher en la película de los 70. Sarah Paulson consigue conformar un personaje tremendamente rico en matices, de la cual uno no sabe si sentirse atraído, sentir respeto, sentir admiración o, directamente, sentir miedo. Pero, cada vez que sale en pantalla, siempre provoca algo y nos mantiene enganchados a la misma.

Paulson no es la única actriz con un papel relevante. Una serie como esta, con una trama centrada en un hospital psiquiátrico, necesita de otros rostros potentes que encarnen a personajes igualmente interesantes y que proporcionen ese contrapeso necesario. Entre ellos, actores muy conocidos, algunos con papeles muy importantes y otros no tanto, pero que todos agradecemos, como Cynthia Nixon, Judy Davis o Sharon Stone, en el lado femenino, y Finn Witrock, Jon Jon Briones o Charlie Carver por el lado masculino.

Para los seguidores de las series anteriormente creadas por Murphy, hay que decir que ésta no se parece a las anteriores, aunque es cierto que son los seguidores de American Horror Story los que se verán más atraídos y los que verán un mayor número de puntos de similitud.

La mejor característica de Ratched es, sin duda, la conseguida y elegante puesta en escena. Cada plano, cada escenario, cada vestuario… todo está tan bien construido, tan bien planificado y tan bien ejecutado, que no se puede decir más que chapeau. Esa belleza que emana de cada imagen de la serie es una seña de identidad tremendamente potente, que acompaña muy bien al tipo de historia que se nos presenta, a mitad de camino entre el drama, el crimen y el misterio. En definitiva, una serie que merece la pena ver, sobre todo para los amantes del género y para aquellos que estén buscando una serie bien hecha, con un diseño de producción excepcional y con sus correspondientes puntos de giro, que producen esa sensación de adicción y tensión tan imperante en las series actuales.

Para empezar, hay que decir que The Trial of the Chicago 7 cuenta una historia real, sobre uno de los juicios más relevantes ocurridos en Estados Unidos a finales de la década de los 60, en el que se pusieron sobre la mesa temas tan profundos e influyentes como el de la seguridad nacional o la libertad de expresión. En este sentido, es de agradecer que una película de alto nivel presupuestario sea la encargada de recordar y mantener vivo un momento histórico de esta relevancia. Es, seguramente, la manera que tenemos actualmente de hacer que no se olviden los hitos históricos que nos han permitido estar donde estamos y ser lo que somos como sociedad.

Aaron Sorkin es conocido desde hace ya unos cuantos años por su labor como creador de series de televisión. The West Wing y The Newsroom fueron series muy logradas y exitosas, y su primera obra como director de la gran pantalla, Molly’s Game, también resultó un gran título, con buenas críticas y resultados.

En esta ocasión, Sorkin ha conseguido plasmar un tema histórico tan interesante como complicado y denso, haciendo que un juicio que sucedió durante largas jornadas se resuma en poco más de dos horas, sin perder ritmo, sin dejar vacíos en la narración y sin que la fuerza de los principales actores quede descompensada. Esto es algo que se aprecia, y apreciaran todos mucho más, al terminar el filme. Porque no es nada fácil mantener el equilibrio con tantos personajes que, de un modo u otro, resultan tan importantes como imprescindibles en la obra.

Personajes que, por si fuera poco, están encarnados por actores de primera fila en el mundo del cine actual. Eddie Redmayne, Sacha Baron Cohen, Seth Rogen y Joseph Gordon-Levitt pueden ser los nombres que más suenen a la mayoría de los usuarios de esta plataforma. Pero esto no evita que otros como Mark Rylance y Frank Langella, más veteranos, puedan ser también reconocidos. Todos ellos, en conjunto, consiguen un nivel altísimo en lo que se refiere a las interpretaciones y elevan el tono general de la película. Cada uno de ellos transmite una personalidad tan bien definida y diferenciada que no hay manera de perderse, y en esto, de nuevo, es Sorkin el que se lleva el mérito.

También hay que tener en cuenta que, por mucho dinamismo que se perciba en las palabras, diálogos y desarrollo de la historia, todo discurre en unas salas de un tribunal. Aquí, además de algunos flashbacks aislados, todo sucede en interiores, en salas que transmiten encierro y alboroto. Y, a pesar de esto, igualmente, la película se pasa y se disfruta con gozo.

Es probable que, en una temporada tan atípica como esta, The Trial of the Chicago 7 se vaya a convertir en una de las películas más presentes en determinados festivales y premios. No descartemos que vaya a ser candidata, o alguien de su reparto, a premios importantes y tampoco pensemos que no va a permanecer como una de las películas más recomendables de la plataforma de la N roja durante un buen tiempo. The

Trial of the Chicago 7 es una de las mejores películas judiciales de los últimos años y esto es algo que hay que tener en cuenta, aunque solo sirva para que los espectadores más jóvenes se interesen por un género, más judicial que histórico, que les permita abrir los ojos a grandes obras maestras de la historia del cine.

The Queen’s Gambit es uno de esos títulos que suenan familiares a los que están más pendientes de las futuras novedades, pero poco más. No tiene ninguna gran estrella en su reparto (salvo la joven promesa inglesa-argentina Anya Taylor-Joy), no cuenta con el respaldo de un director o un guionista renombrado y tampoco se basa en ningún suceso histórico o en un best seller literario.

¿Nos quejamos por esto? Al contrario. Nos parece genial.

Si bien es cierto que The Queen’s Gambit es la adaptación de una novela escrita por Walter Tevis en 1983, estamos prácticamente seguros de que sus ventas serán ahora mucho mayores que en su momento. Porque este conjunto de capítulos que narran la historia de una niña prodigio del ajedrez, de su ascenso y de los problemas que conlleva lidiar con un talento único y con la fama es magistral.

Por empezar por un aspecto llamativo desde el comienzo, la ambientación y escenificación de la historia es brillante. Parece que las producciones de Netflix le tienen el punto bien tomado a este tipo de trabajos ambientados en décadas anteriores, como pudimos observar hace tan solo unas semanas con otra serie de la misma plataforma: Ratched. Esto facilita que el espectador se implique en la historia y la disfrute más aún. En los momentos en los que esa decoración o ese atrezzo distraen lo hacen de un modo positivo, para admirar, no para criticar. Y, a partir de ahí, a deleitarse con otro de los detalles a los que se ha prestado una atención excelente: la moda femenina. Será un aspecto al que los y las amantes de la moda se dediquen más, porque es algo inherente al carácter de la protagonista desde los primeros minutos del primer capítulo.

Pero que nadie se lleve a engaño. The Queen’s Gambit trata sobre una niña que se queda huérfana a una edad temprana y que, pronto, descubre que le encanta jugar al ajedrez y que es adicta a los tranquilizantes. A partir de ahí, la niña va creciendo mientras pelea por jugar más y mejor, y por proveerse de sus pastillitas favoritas u otros estimulantes.

La protagonista, y gran artífice del éxito y calidad de The Queen’s Gambit es Anya Taylor-Joy, una joven y talentosa actriz a la que vamos a empezar a ver cada vez más a menudo. El carisma y el magnetismo que le imprime a su personaje es algo supremo, y probablemente resulte lo más llamativo para todos y cada uno de los espectadores.

Entre el resto del reparto, no hay demasiados rostros conocidos. Thomas Brodie-Sangster, el famoso niño de Love Actually, y Harry Melling, conocido por sus papeles en Harry Potter o en producciones recientes, son los más populares, aunque ninguno rivaliza con la joven ni en presencia ni en calidad.

Nota aparte es la temática central de la serie, que no es otra que el ajedrez. En concreto, el mundo de los torneos y el esfuerzo individual que supone progresar en este deporte, como en cualquier otro. El conflicto continuo al que se enfrenta el personaje principal, aderezado por sus adicciones y el contexto continuo de las competiciones, de los rivales, de la preparación de las partidas, etc. resulta muy entretenido e interesante. De hecho, animamos a todos los que no confíen en esta temática, porque ni hace falta entender el juego ni hace falta ser aficionado. Está todo tratado con la distancia y el acercamiento necesarios para hacer que la trama funcione eficazmente y no ocasione ni aburrimiento ni discriminación.

Lo mejor, que resulta una serie fresca y original, con una historia bastante diferente y realista. Es de esas producciones que muchas veces echamos de menos, ya que se alejan de los tópicos más habituales o de las franquicias omnipresentes. Lo peor, que son solo siete capítulos, los cuales se ven muy rápido debido a la adicción que producen y a la agilidad de sus historias. Si acaso se les ocurre producir más capítulos a partir de aquí, lo agradeceremos. En caso contrario, Beth Harmon se habrá ganado un hueco en nuestro corazón seriéfilo.

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